Le conservatoire prépare ses étudiant.es à atteindre un très niveau de pratique. Le cours de danse est l’élément central de l’entrainement des danseuses et danseurs mais ils ont aussi besoin d’enrichir leur pratique par d’autres disciplines.

La préparation physique en fait partie et va s’intéresser à deux aspects : la recherche de performance physique et la prévention des blessures afin de préserver leur intégrité physique.

Cela est d’autant plus important quand le travail débute sur des corps en croissance. La spécialisation du danseur et de la danseuse commence très tôt. Ils et elles sont amené.es très jeunes à répéter des gestes spécifiques et ce sur un gros volume de cours.

Pour pratiquer la danse longtemps et en bonne santé physique et psychique, le conservatoire propose donc un accompagnement en préparation physique adapté au niveau technique, physique et physiologique des éétudiant.es. Cette discipline va travailler de façon étroite avec les professeur.es et le pôle santé afin d’être la plus adaptée possible aux exigences de la danse.

Nous abordons différentes thématiques comme les échauffements, la récupération, l’organisation du travail sur l’année et pendant les vacances.

Le but est d’accompagner le plus tôt possible les étudiant.es afin qu’ils et elles intègrent des routines très précocement dans leur travail. Plus ce travail est fait tôt, plus il est facile à intégrer efficacement dans une pratique professionnelle parce qu’il aura été testé et compris.

La préparation physique est abordée en cours dédiés mais elle peut s’intégrer aussi à l’entrainement général en dehors des cours sur demande des professeurs ou des étudiant.es.

Elle doit respecter la charge globale de travail et permettre des temps de récupération.

Nous cherchons à développer des qualités comme l’endurance cardio-respiratoire, la force de maintien, la puissance, la souplesse ou encore la coordination.

En complément des études, une initiation au basson baroque permet aux instrumentistes d’apporter un complément stylistique et technique à leur discipline principale. 

D’une durée de trois ans, le premier cycle constitue le socle de l’apprentissage du métier d’interprète et vise à l’obtention du DNSPM. Les professeurs, artistes et pédagogues d’exception, accompagnent les étudiants et étudiantes dans le développement de leur pratique et de la relation à leur instrument. Les interprètes atteignent, à l’issue de leur parcours, un niveau professionnel et peuvent exercer dans une large palette de domaines allant de la pratique soliste à l’orchestre en passant par la musique de chambre. Par l’étendue des champs explorés, ils sont en capacité d’aborder l’ensemble des répertoires, du baroque au contemporain.

Les cours d'instrument, qui constituent une large part de la formation, jouent un rôle central, en permettant à chacun le déploiement et l’expression de sa sensibilité artistique. Pour former des artistes ouverts sur le monde, cet enseignement s’inscrit dans une perspective élargie, conjuguant aspects théoriques (formation musicale, analyse, histoire de la musique), et pratiques (musique de chambre et orchestre). À ce cursus général peuvent s’ajouter différentes options, en vue de répondre aux aspirations de chacun, toujours dans l’optique de la formation d’artistes complets et épanouis. Des séminaires, conférences et master classes sont régulièrement proposés autour d’une grande variété de thématiques. Les interprètes qui le souhaitent ont également la possibilité de compléter leur cursus en suivant le parcours DE (formation à l’enseignement) ainsi que le parcours conjoint avec Sorbonne Université menant à une licence de musique et musicologie.

D’une durée de deux ans, le deuxième cycle offre aux interprètes l’opportunité d’atteindre le plus haut degré d’exigence dans la pratique de leur art, avec autonomie et sens critique. À la faveur d’une pratique individuelle intensive mais aussi collective , les étudiants sont accompagnés dans l'affirmation et l’expression de leur personnalité artistique. Le champ d’exploration se veut particulièrement vaste pour permettre à chacun de forger son propre répertoire, des pratiques solistes, de musique de chambre ou d’orchestre. Le récital de fin d’année, point d’orgue du cursus, offre à chacun et chacune l’opportunité d’élaborer et réaliser son propre programme, donné en public. À l’issue de la formation, les artistes détiennent les ressources nécessaires à la poursuite de leur cheminement en toute autonomie. L’acquisition d’outils et compétences indispensables pour la gestion d’une carrière et de projets a vocation à faciliter leur trajectoire professionnelle.  
 
Une formation à l’orchestre est également proposée à travers les sessions d’orchestre dirigées par des chefs invités du monde professionnel . Une initiation à la recherche, comprenant l’acquisition de méthodologie (première année) et un travail d’étude personnel (deuxième année), est également dispensée. À ce cursus général peuvent s’ajouter différentes options, en vue de répondre aux aspirations de chacun, toujours dans l’optique de la formation d’artistes complets et épanouis. 

L’organologie est la discipline qui a pour champ d’étude les instruments de musique. Elle tend à préciser leur histoire et leurs fonction (musicale, sociale, symbolique) et a pour but d’expliquer leur configuration actuelle et de mieux comprendre leur fonctionnement.

Issue de la découverte par FM Alexander d’un nécessaire retour à « l’usage de soi », perdu depuis l’enfance et qu’il convient de retrouver, la Technique Alexander invite les interprètes à questionner « ce qu’ils font avec eux-mêmes ». Prendre conscience de la façon dont le corps, en tant que tout premier instrument, devrait fonctionner, et le remettre au cœur du geste artistique, voilà tout le propos de cette approche, qui mobilise observation et pratique.

Fruit d’une expertise unique, nourrie par une longue expérience auprès d’une multiplicité d’artistes dans le monde, cet enseignement constitue une préparation psycho-physique à la performance ou à la scène. Dans la droite lignée du modèle de l’entraînement des sportifs, détente, récupération, mobilisation appropriée, déploiement des capacités au moment M permettent de prévenir et proposer des solutions face aux problèmes de blessures, tensions excessives, trac, si souvent liés à la pratique instrumentale de haut niveau. Outre les effets sur la santé globale, cette approche donne les clés d’une connaissance de soi et de ses limites, nécessaire à tout épanouissement artistique, ainsi qu'à toute professionnalisation.