En complément des études, une initiation au violoncelle baroque permet aux instrumentistes d’apporter un complément stylistique et technique à leur discipline principale. 

D’une durée de trois ans, le premier cycle constitue le socle de l’apprentissage du métier d’interprète et vise à l’obtention du DNSPM. Les professeurs, artistes et pédagogues d’exception, accompagnent les étudiants et étudiantes dans le développement de leur pratique et de la relation à leur instrument. Les interprètes atteignent, à l’issue de leur parcours, un niveau professionnel et peuvent exercer dans une large palette de domaines allant de la pratique soliste à l’orchestre en passant par la musique de chambre. Par l’étendue des champs explorés, ils sont en capacité d’aborder l’ensemble des répertoires, du baroque au contemporain.

Les cours d'instrument, qui constituent une large part de la formation, jouent un rôle central, en permettant à chacun le déploiement et l’expression de sa sensibilité artistique. Pour former des artistes ouverts sur le monde, cet enseignement s’inscrit dans une perspective élargie, conjuguant aspects théoriques (formation musicale, analyse, histoire de la musique), et pratiques (musique de chambre et orchestre). À ce cursus général peuvent s’ajouter différentes options, en vue de répondre aux aspirations de chacun, toujours dans l’optique de la formation d’artistes complets et épanouis. Des séminaires, conférences et master classes sont régulièrement proposés autour d’une grande variété de thématiques. Les interprètes qui le souhaitent ont également la possibilité de compléter leur cursus en suivant le parcours DE (formation à l’enseignement) ainsi que le parcours conjoint avec Sorbonne Université menant à une licence de musique et musicologie.

D’une durée de deux ans, le deuxième cycle offre aux interprètes l’opportunité d’atteindre le plus haut degré d’exigence dans la pratique de leur art, avec autonomie et sens critique. À la faveur d’une pratique individuelle intensive mais aussi collective , les étudiants sont accompagnés dans l'affirmation et l’expression de leur personnalité artistique. Le champ d’exploration se veut particulièrement vaste pour permettre à chacun de forger son propre répertoire, des pratiques solistes, de musique de chambre ou d’orchestre. Le récital de fin d’année, point d’orgue du cursus, offre à chacun et chacune l’opportunité d’élaborer et réaliser son propre programme, donné en public. À l’issue de la formation, les artistes détiennent les ressources nécessaires à la poursuite de leur cheminement en toute autonomie. L’acquisition d’outils et compétences indispensables pour la gestion d’une carrière et de projets a vocation à faciliter leur trajectoire professionnelle.  
 
Une formation à l’orchestre est également proposée à travers les sessions d’orchestre dirigées par des chefs invités du monde professionnel . Une initiation à la recherche, comprenant l’acquisition de méthodologie (première année) et un travail d’étude personnel (deuxième année), est également dispensée. À ce cursus général peuvent s’ajouter différentes options, en vue de répondre aux aspirations de chacun, toujours dans l’optique de la formation d’artistes complets et épanouis. 

Comment les couples apprennent-ils à s’accorder ? Récital, mélodie et lied demandent aux binômes chanteur.euse - pianiste de travailler sur un pied d’égalité, dans des conditions d’écoute véritable. À partir de personnalités et de parcours différents, il s’agit de savoir prendre des décisions à deux en harmonie, et de comprendre les besoins de l’autre, et les enjeux de sa partie. À ce travail premier, suit une rencontre avec le répertoire, tant dans la dimension musicale que poétique. Si les lieder de Schubert et les mélodies françaises constituent les fondamentaux du cours, étudiants et étudiantes émettent leurs propres choix musicaux, en fonction de leurs affinités. Chaque année, un récital est organisé afin d’entendre le fruit du travail des interprètes, donnant lieu, quand cela est possible, à une initiation à l’élaboration de programmes, selon des principes dramaturgiques autant qu’artistiques.

À travers l'exploration des répertoires de l’instrument, leur mise en perspective historique et un travail technique approfondi, ce cours vise à acquérir une maitrise de l’instrument, ainsi qu’une approche critique de l’interprétation. Une attention particulière est consacrée à l’écoute de son corps, afin de prévenir les douleurs liées à la pratique. La pédagogie centrée sur la question du face-à-face permet un apprentissage personnalisé, qui accompagne chacun au sommet de ses potentialités.   

L’enseignement d’art dramatique vise à révéler l’expressivité de chacun et chacune, pour être en mesure d’incarner des personnages vivants et habités. Chaque atelier s’articule sur trois temps en vue de dépasser les blocages et laisser libre cours à son interprétation : l’ancrage corporel, qui permet de se délester de tout ce qui encombre pour accueillir l’imaginaire, les exercices qui engagent tant le corps que la voix, et mobilisent l’intériorité, comme la relation aux autres, et au monde, et enfin, le temps de présentation au plateau. Au cours de l’année les étudiants y présentent des « études improvisées » inspirées tantôt de leur imaginaire, tantôt d’auteurs de théâtre ou du répertoire lyrique. Au second trimestre, est mené un travail de texte. Puis en fin de parcours, des improvisations de jeu clownesque. Cet atelier constitue un précieux outil en ce qu’il offre d’apprivoiser la scène, d’articuler émotions, pensées et mouvements, et de prendre conscience de sa singularité, comme condition de sa pleine capacité de performance.