En avançant dans sa quête, Néméa™ se heurte à une figure insolite, celle de Barbe bleue.

Ce séminaire vise à préparer au mieux son insertion professionnelle et intégrer les différents paramètres constitutifs du parcours de l’artiste chorégraphique.

Il s’agit de permettre aux étudiants d’avoir une juste représentation de l’environnement professionnel auquel ils et elle se destinent.

Sur 5 jours, de nombreux point sont abordés.

En premier lieu l’enjeu est de prendre connaissance de l’organisation du secteur et les caractéristiques des carrières en France et à l’étranger, connaitre le marché du travail, identifier les structures « employeurs », comprendre les caractéristiques de l’emploi et des carrières (mobilité, parcours, santé, reconversion ...), identifier les ressources, les parcours d’artistes, les métiers de la danse ou liés au secteur chorégraphique et leurs spécificités en prenant conscience des différents parcours possibles.

Il s’agit alors de construire son premier projet professionnel, en incluant les notions de champs de compétences, et du référentiel métier de l’artiste interprète.

De façon très pratique, les étudiant.es abordent les questions de la recherche d’emploi, savoir lire une offre, rédiger son cv et une lettre de motivation, savoir se présenter et valoriser ses compétences, son expérience (CV, présentation orale, réseaux sociaux ...).

De manière très spécifique, des focus sont apportés sur le statut de l’artiste salarié, le droit du travail, les différentes typologies des contrats de travail (CDI, CDD, CDD d’usage), les conventions collectives applicables afin d’être en mesure de lire un contrat de travail, la sécurité sociale (maladie, maternité / paternité, accidents du travail), l’assurance chômage et le régime spécifique de l’intermittence du spectacle, les conditions particulières du travail à l’étranger, en Europe et hors Europe, la possibilité de cumul d’activités, chorégraphe, interprète, enseignant.e,  chercheur.euse etc…, ainsi que les droits d’auteur du chorégraphe et les droits voisins de l’interprète.

Le conservatoire prépare ses étudiant.es à atteindre un très niveau de pratique. Le cours de danse est l’élément central de l’entrainement des danseuses et danseurs mais ils ont aussi besoin d’enrichir leur pratique par d’autres disciplines.

La préparation physique en fait partie et va s’intéresser à deux aspects : la recherche de performance physique et la prévention des blessures afin de préserver leur intégrité physique.

Cela est d’autant plus important quand le travail débute sur des corps en croissance. La spécialisation du danseur et de la danseuse commence très tôt. Ils et elles sont amené.es très jeunes à répéter des gestes spécifiques et ce sur un gros volume de cours.

Pour pratiquer la danse longtemps et en bonne santé physique et psychique, le conservatoire propose donc un accompagnement en préparation physique adapté au niveau technique, physique et physiologique des éétudiant.es. Cette discipline va travailler de façon étroite avec les professeur.es et le pôle santé afin d’être la plus adaptée possible aux exigences de la danse.

Nous abordons différentes thématiques comme les échauffements, la récupération, l’organisation du travail sur l’année et pendant les vacances.

Le but est d’accompagner le plus tôt possible les étudiant.es afin qu’ils et elles intègrent des routines très précocement dans leur travail. Plus ce travail est fait tôt, plus il est facile à intégrer efficacement dans une pratique professionnelle parce qu’il aura été testé et compris.

La préparation physique est abordée en cours dédiés mais elle peut s’intégrer aussi à l’entrainement général en dehors des cours sur demande des professeurs ou des étudiant.es.

Elle doit respecter la charge globale de travail et permettre des temps de récupération.

Nous cherchons à développer des qualités comme l’endurance cardio-respiratoire, la force de maintien, la puissance, la souplesse ou encore la coordination.

Créée en 1992 par Edith Lejet, cette classe se consacre à l’écriture et l’invention musicales en se fondant sur l’étude approfondie des œuvres et l'appropriation des techniques de composition des XX^e et XXI^e siècles. Deux à trois thématiques sont abordées dans l’année, par le prisme d’un compositeur, d’un corpus d’œuvres, ou d’une technique d’écriture à travers son évolution.

Par trois fois dans l'année, les productions issues du cours sont jouées et enregistrées par des interprètes, solistes, chambristes ou petits ensembles dirigés. À partir de modèles emblématiques d'un siècle foisonnant d'innovations, la classe permet donc d'embrasser le processus d'invention musicale dans son ensemble, depuis un questionnement approfondi sur la genèse de l'écriture et l'expertise de son élaboration jusqu'à la collaboration avec les interprètes.

Programme pour l'année 2020-2021 :

• Laboratoire : Le canon (Bartok, Ligeti, G. Benjamin)
• Travail maison (8 semaines) : pièce pour petit ensemble à la manière de Stravinsky
• Loge de 17 avec piano : pièce pour instrument à vent seul, oeuvres de référence : Berio, Sequenzas Gesti, Studie zu Sequenza VII

Programme pour l'année 2021-2022 :

• Laboratoire : Strates et textures (Stravinsky, Ives, Messiaen, Ligeti, Murail, Saariaho)
• Travail maison (8 semaines) : pièce pour petit ensemble à la manière d'Edgar Varèse
• Loge de 17 avec piano : pièce clavier(s) (piano, deux pianos, clavecin, orgue) à la manière de György Ligeti

Programme pour l'année 2022-2023 :

• Laboratoire : L'œuvre ouverte d'après A. Boucourechliev
• Travail maison (8 semaines) : pièce pour petit ensemble à la manière de Pierre Boulez
• Loge de 17h avec piano : pièce pour instrument seul à la manière de Berio

Programme pour l'année 2023-2024 :

• Laboratoire : L'œuvre ouverte d'après A. Boucourechliev
• Travail maison (8 semaines) : pièce pour petit ensemble à la manière de Ligeti
• Loge de 17h avec piano : pièce pour instrument seul à la manière de Berio

Programme pour l'année 2024-2025 : 

• Laboratoire : Varèse
• Travail maison (8 semaines) : pièce pour petit ensemble à la manière de Ligeti
• Loge de 17h avec piano : pièce pour instrument seul à la manière de Berio

Fort d’un réseau de partenaires de premier plan, le Conservatoire de Paris permet à ses étudiant.es de conforter leurs compétences techniques, artistiques, humaines, dans une grande variété de contextes professionnels, à la faveur d’une période de stage allant de quatre à six mois, qui prend des formes différentes selon les lieux d’accueil :

• En compagnie, notamment Ballets de l’Opéra de Bordeaux, de l’Opéra du Rhin, de l’Opéra de Lyon…
• En Centres chorégraphiques nationaux (CCN), notamment Orléans, Belfort, Grenoble, Rillieux-La Pape, Le Havre, Nantes…
• En compagnies indépendantes notamment Boris Charmatz, Gisèle Vienne, Dimitri Chamblas, Jérôme Bel, Dominique Brun, François Chaignaud, Benjamin Millepied… (ORDRE ALPHA)

Ces stages constituent autant d’opportunités de découvrir le processus de création et de la recherche artistique au sein des différentes structures qui composent le paysage de la danse aujourd’hui. Ils permettent aussi, à titre d’application des enseignements, de faire l’expérience sur le terrain de la pluralité des missions susceptibles de nourrir la trajectoire d’un.e artiste chorégraphique.